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Hablamos con Ana Salas, directora de En el Taller (2016)


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Ana Salas es hija del pintor colombiano Carlos Salas, estudió filosofía en París y realizó un máster en cine. Luego de estar quince años fuera del país regresó para realizar En el Taller, película que se estrenó recientemente en algunos teatros de cine del país. La película documenta la creación de una obra que su padre realiza, proceso que la directora filma y no independiza de la película.

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A continuación hablamos con la realizadora sobre estas de ideas de creación, arte y artista.

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falsodios: ¿Por qué decidir hacer una película en este preciso momento? Esto es algo que se menciona durante la película.

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Ana Salas: Lo que yo digo durante la película es que más que un retrato estoy filmando un espacio, un lugar y un momento. Lo que me interesa es filmar ese momento en el que se hace una obra de arte, en ese espacio que es el taller. En realidad no se hace una, sino dos, porque la película también se está haciendo. Lo que se está filmando es ese experimento, el de hacer una película sobre una obra de arte que se está haciendo al mismo tiempo. Cuando me refiero al momento, es a ese momento de creación en ese espacio de experimentación que es el taller de un artista.

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falsodios: ¿Cómo fue ese proceso de ver crecer las obras? ¿Chocan en algún momento?

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Ana Salas: Las dos obras se crearon en paralelo. Hubo un momento de preparación que fue cuando comencé a escribir la película, donde hice un intercambio de cartas con mi padre, hablábamos sobre su rutina diaria, en qué estaba trabajando, qué estaba leyendo, qué estaba pensando. En ese intercambio comenzamos a crear juntos, mi papá decía que era como dos músicos tocando juntos, a distancia, pero estábamos conectados. Él estaba haciendo una serie de pinturas anterior y yo estaba escribiendo el guion. Nos enviábamos textos, música, referencias.

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El momento de rodaje fue uno muy intenso, donde se estaba haciendo la pintura y se estaba haciendo la película. Eso no significó necesariamente la intervención negativa de una sobre la otra. La pintura se hizo por la película, están muy ligadas, son obras hermanas. En ese momento de rodaje hicimos la pintura, e hicimos una parte de la película. Cada una de las obras iban por su camino, pero en paralelo. Fue interesante ese diálogo, entre la pintura y la película, pero también el diálogo entre mi padre y yo. Hacia el final hablamos del cansancio, de todo el proceso que llevamos, y el paralelo me parece interesante. En el montaje con Juan Soto tratamos de emular ese proceso de la pintura.

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falsodios: Nos interesa esa idea de poner en su lugar laboral al artista.

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Ana Salas: La película trae al artista de la nube en la que está, muchas veces. O en la que se piensa que está. Lo presenta como un trabajador, no como un genio, una idea muy cliché y común. Yo no creo en eso, es una concepción que está mandada a recoger. Lo que he visto desde mi infancia, con mi padre que es artista, es que él también es un trabajador.

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Sus herramientas son los colores, los pinceles, los lienzos, pero también son las inmateriales; son sentimientos, son rencores, recuerdos y sueños. Con todo eso va creando su propia obra, o su propio trabajo. Me gusta ver su labor como un oficio, y en la película sale ese paralelo, el pintor, el embolador, el carpintero, el electricista. También es una película sobre el trabajo. Muchas personas me han dicho que también han pasado por esas etapas de creación, y no necesariamente son artistas.

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falsodios: La película está dividida en capítulos. ¿Por qué tomar esa decisión?

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Ana Salas: Los capítulos se encontraron en el montaje, fue un recurso que utilizamos para que la película no se agotara, aunque es una película de un personaje que está frente a una obra en el mismo espacio, durante una hora y media. Se podría pensar que se puede agotar muy rápido un pintor pintando una sola obra y que luego de cuarenta minutos ya no hay nada que ver. Intentamos mostrar cosas nuevas, durante toda la película.

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El capitulaje nos ayudó para que el espectador sienta que las cosas están avanzando, y que en algún momento van a acabar. Que ese proceso que está viendo va a llegar a un término. Los títulos son nombres de series de obras de mi padre de los últimos diez años, son títulos poéticos que abren, no dicen qué va a pasar o no cierran sino que realmente abren a que el espectador se imagine cosas, o piense otras cosas.

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falsodios: ¿Cuál es la relación de En el Taller con el paisajismo, el cielo y las nubes?

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Ana Salas: El primer plano de la película son unas montañas, con el cielo y las nubes, el último plano también es igual, pero se ven más las montañas. Son los únicos dos paneos de la película, prácticamente. Allí es donde digo algo sobre la obra de mi padre. Para mí sus cuadros son ventanas que dan a paisajes imaginarios. Algunos son más de montaña, otros más de cielos, desiertos. Hay muchos tipos, esa es la relación que he tenido con las pinturas. Sin embargo, no es una película en la que yo esté analizando o diciéndole al espectador algo en concreto.

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Es una película que invita al espectador a vivir el proceso, no solo dentro del taller sino también dentro del artista. Creo que esa invitación a vivir el proceso hace que las personas se acerquen a la obra de mi padre, o a la obra abstracta en general. No estoy dando un discurso sobre esa pintura, ni un análisis, simplemente me acerco a todo el proceso. Pero doy ese momento de los paisajes relacionado con las pinturas, donde yo digo algo muy personal, que no está cerrado, se puede interpretar de mil maneras. Mucha gente no lo ve, y está bien.

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falsodios: ¿La obra que se termina, al terminar la película, también es un paisaje?

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Ana Salas: Cuando mi padre termina la obra yo en la película le digo que parece una luna, no es un paisaje, o tal vez sí… un paisaje lunar. Siempre la relaciono con elementos de la naturaleza, a veces se sienten como fuego, arena, árboles, así me relaciono con las pinturas. Aunque sé que la pintura de mi padre no nos está diciendo que eso es un paisaje. Puede ser muchas cosas, o nada. Pero cada uno se relaciona con la pintura de diferentes maneras.

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falsodios: ¿Cómo se enfrenta el día a día de un padre que es pintor?

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Ana Salas: En el único momento que tratamos de hacer algo falso durante el trabajo no funcionó. Todo lo que se filmó fue tal cual, todo fue real, parte de su proceso. ¿Qué se filma y qué no? ¿Cómo decidir qué entra y lo que no? Eso tiene que ver con lo que en algún momento mi padre me dijo: "Esta no es mi vida", él sintió que yo no estaba filmando lo importante, dándole menos importancia a lo que él realmente le pone atención. En la película le digo: "Esto es un momento y un lugar". La entrevista también se vuelve circular.

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Digamos que para mí no era un retrato, en el sentido de que a mí no me interesaba retratar a mi padre como ser humano, aunque tenga otras relaciones. Todo lo que está por fuera del taller no se ve, incluso muchas otras cosas que están dentro del taller tampoco se ven. La película no es un retrato de Carlos Salas, la película es el momento de la obra, su proceso. Se pueden percibir muchas cosas, la relación que él tiene con ella, y conmigo.

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No es un retrato fiel, con Juan Soto (editor) bromeábamos porque decíamos: "Este señor solo pinta, se levanta y pinta, se acuesta y no hace nada más". Pero eso no es así, lo que no está allí no lo vemos. Eso te excluye muchas cosas de por sí. En el guion ya se habían tomado muchas decisiones. Su relación amorosa, familiar, estas relaciones son presencias sutiles, y eso le tuve que explicar a mi padre, que su asistente para la película era más importante que sus hijas, al menos para filmar el proceso de la obra.

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Luego en el montaje tomamos otras decisiones. Dos ejemplos de cosas que filmamos y luego no entraron: un diálogo con mi abuelo, que era muy bonito y que hablaba más de su vida personal, luego está un momento en que se habla de la construcción de una casa en La Calera. Ese imaginario y todo lo que representó para mi padre, esa casa, me parecía interesante, pero en montaje salió. El montaje es un proceso de depuración, uno tiene que llegar a lo esencial, la película se puede desencajar si no escoges lo que hace parte del proceso.

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